Innhold
- 01. Legg til personlighet
- 02. Bruk sammenbrudd
- 03. Se til mestrene for inspirasjon
- 04. Gjør det personlig
- 05. Unngå den uhyggelige dalen
- 06. Fokus på anatomi
- 07. Gjør en fotografering
- 08. Modell motivet ditt
- 09. Hold teksturene enkle
- 10. Bruk tid på øynene
- 11. Ikke overdriv detaljene
- 12. Bruk X-Gen for håret
- 13. Skap stemning med belysning
- 14. Tenk på komposisjonen din
Du vet kanskje hvordan du tegner mennesker, men å lage et digitalt portrett som ikke skiller seg fra et fotografi - som det over - er en annen sak helt. Det er vanskelig å få rett, men det kan være en utrolig givende øvelse i 3D-kunst.
Portretter er som et vindu inn i motivets liv; du må virkelig kjenne noen for å kunne representere dem godt, da det ikke bare er ansiktsegenskaper du representerer, men også deres personlighet. Det sies også at bak hvert portrett er et selvportrett, da det også er historien til kunstneren; gjennom alle mine portretter forhåpentligvis vil du også lære litt om meg selv.
- Hvorfor 2D-artister trenger å lære 3D
Arbeidet mitt er inspirert av de store mestrene, Rembrandt, Caravaggio, Vermeer - disse maleriene ble gjort for hundrevis av år siden, men vi kobler oss fremdeles til dem som om disse menneskene fortsatt var i live i dag. Det faktum at vi er i den digitale tidsalderen får vi nå bruke nye verktøy for å lage disse portrettene, noe som aldri har blitt gjort før - vi lager en ny form for portrett.
Last ned filene for denne opplæringen.
01. Legg til personlighet
Grunnen til at hvert portrett jeg gjør er et familiemedlem eller venn er fordi jeg kjenner dem, og ved å kjenne dem kan jeg legge til deres personlighet. Digitale mennesker trenger en personlighet for å gjøre dem troverdige; tegn i en T-positur kan se ekte ut, men vi kommer ikke i kontakt med dem. Når vi ser mennesker, prøver vi å lese dem, vi vil vite hvem de er, og vi bør gjøre det samme med digitale tegn - gjør dem så ekte som mulig, ikke bare på overflaten, men også under huden.
02. Bruk sammenbrudd
Nedbrudd er en veldig god måte å bidra til å markedsføre digitale tegn. De avslører bak gardinen og viser nøyaktig hva du ser på. Ved å demonstrere at vi bruker verktøy som en pensel eller en meisel, viser det at arbeidet ikke bare er et klikk på en knapp. Digitale mennesker er nye, og folk vil se magien bak seg. Et sammenbrudd fjerner enhver forvirring om at det kan være et fotografi, og forhåpentligvis vil folk bruke litt lenger tid på å sette pris på det harde arbeidet som ble lagt ned i det.
03. Se til mestrene for inspirasjon
Det er alltid viktig å ha inspirasjon. Inspirasjonen min kommer fra mestrene. For eksempel skaper Rembrandts stil en stemning du kan føle; motivene hans er relatable, og alle portrettene hans føles levende. En annen inspirasjon er Vermeer, og et perfekt eksempel er hans Girl with a Pearl Earring-maleri. Denne kvinnen har en perleørering selv om hun ser ut som en hushjelp; hun hadde tydeligvis ikke råd til dette, men hun har det på seg, så det får deg til å stille spørsmål om Vermeer hadde en kjærlighetsinteresse i henne, og stilte henne med konas smykker. Dette skaper en bakhistorie som vi vil vite mer om; å legge til en historie til de digitale menneskene våre vil gjøre dem mer troverdige.
04. Gjør det personlig
Personlig arbeid skal være personlig. Hvis du skal hjem til jobb og du skaper noe noen andre vil se, er det bare å jobbe, ettersom du lar en annens drøm gå i oppfyllelse. Det er ikke bærekraftig hvis du vil fortsette å jobbe utenom klokka 9-18. Hvis du vil at de digitale menneskene dine skal koble seg til publikum, vil det å elske det du gjør vises i arbeidet, så gjør det personlig - jo mer du bryr deg om det, jo mer vil det skille seg ut. Ved å gjøre det vil du lage noe originalt.
05. Unngå den uhyggelige dalen
Den uhyggelige dalen er fortsatt en enorm dal vi ennå ikke har krysset. Det er et uendelig antall variabler som gjør oss mennesker, men når vi prøver å lage dem, velger vi de beste få vi vet om. Jeg har sett tegneseriefigurer føles veldig ekte til tross for at de ikke ser ekte ut i det hele tatt - disse kunstnerne er fenomenale til å uttrykke den følelsesmessige siden av oss. Lag en følelse du vil uttrykke. Med Cassidy prøvde jeg å forestille meg hva hun tenkte og ha den tanken som grunnlag for portrettet, og alt stammer fra denne tanken.
06. Fokus på anatomi
Lær din anatomi. Selv om vi ser annerledes ut, har hver person den samme anatomien, de samme beinene, de samme musklene, de samme byggesteinene. På bilder er det noen ganger vanskelig å bestemme form og former, så bruk av kunnskapen om anatomi vil bidra til å fylle ut disse områdene. Det første jeg ser på i en digital karakter er ørene - noe som lett kan hoppes over, men når du først oppdager feil som dette, er det vanskelig å tro at dette er virkelige mennesker, og de blir nesten som en mannekeng.
07. Gjør en fotografering
Jeg tar alltid en fotografering av motivene mine, omtrent 100-200 bilder. Først tar jeg bilder fra alle vinkler, og disse bildene brukes til modell og tekstur. For det andre stiller jeg opp og tenner motivet for å skape stemning, og jeg prøver flere måter å best representere hvem motivet er. Når du lager et portrett, er det viktig å referere til disse fotografiene; det er lett å bli fanget i å gjøre arbeidet vårt stilisert, men for å skape en likhet må du være tro mot emnet, og det betyr at du ikke kan smigre dem og prøve å gjøre dem bedre.
08. Modell motivet ditt
Jeg stiller et pre-rigget basenett i Maya, og ta denne geometrien til Mudbox for skulptur. Jeg bruker ikke skanning, men modelleringsprosessen min ligner på hvordan en skanning blir laget. Siden jeg tok bilder fra alle vinkler, vil jeg justere disse bildene i Mudbox. Jeg vil matche modellen til frontvinkelen, deretter profilen, deretter trekvartvisningen og så videre. Jeg vil ha minst 8-10 bilder jeg bruker til å skulpturere fra. Når likheten er der vil jeg begynne å fokusere på uttrykk og kropp.
09. Hold teksturene enkle
Jeg gjør all teksturering i Mudbox; Jeg bruker hver vinkel på bildene til å projisere på modellen. Det er mye opprydding, maling og fargekorrigering som Mudbox er perfekt for. Jeg har begynt å bruke XYZ-teksturkart for å få frem detaljene i porene. Jeg bruker VRayFastSSS2-skyggen for huden. Jeg vil skyve det diffuse kartet så langt jeg kan før jeg bekymrer meg for mye om spesifikasjonen, bumpen og SSS-kartene. Jeg tror på enkelhet når det gjelder teksturering, jo enklere det er, jo lettere er det å gjøre endringer i løpet av lookdev-stadiene.
10. Bruk tid på øynene
Øynene er stykkets hjerte, da øynene vanligvis er det første vi ser på når vi kommuniserer med andre. Den minste endringen vil endre uttrykket fullstendig. Hvert menneske vet hvordan et øye ser ut; fra fødselen av forstår vi subtiliteten til et uttrykk, og til og med noen som ikke har noen erfaring med kunst vil merke noen feil. Det er grunnen til at den uhyggelige dalen er så vanskelig å overvinne - en feil, og den vil falle i den uhyggelige dalen. Jeg bruker lang tid på å bare jobbe med øynene og går gjennom mange varianter før jeg kan få dem til å se anstendige ut.
11. Ikke overdriv detaljene
Øyet ditt elsker detaljer; mye av det leser vi ubevisst, og mangel på detaljer vil skille seg ut. Men hvis du overdriver det, kan du ta oppmerksomheten bort fra det som er viktig. Detaljering brukes til å skape realisme og støtte det generelle bildet, men det er ikke ment å bli vist frem. I mitt portrettarbeid er mitt hovedfokus øyne og ansikt; alt kretser rundt dette og støtter det, hvis ikke, vil jeg bli kvitt det.
12. Bruk X-Gen for håret
Cassidys hår var den største utfordringen jeg hadde i dette portrettet, da det dekker det meste av lerretet. Det var første gang jeg brukte X-Gen, men jeg er fornøyd med resultatene. X-Gen lar deg lage hår som er tilfeldig fra streng til streng, og som er flott å skape disse flyveiene. Det er flott å skape det ferskenfuzz også - det er subtilt, men legger til den realismen. Jeg la til en V-Ray hårskygge i håret med fargevariasjon til hver streng. Ved å gjøre hår tilfeldig mister det det rene utseendet som noen ganger digitalt arbeid kan ha.
13. Skap stemning med belysning
Belysningen er nøkkelen til stemningen i arbeidet, da den driver og forstørrer følelsen du prøver å skildre. Caravaggio er et eksempel på hvordan et hardt lys kan endre et bilde; hans arbeid har sterk kontrastbelysning som gjør arbeidet dynamisk og aggressivt. Alternativt bruker Rembrandt vanligvis myk belysning, noe som gir verket hans en innbydende varme. I Cassidys portrett ønsket jeg å vise ungdom, så jeg brukte et varmt, mykt lys for å vise henne som en medfølende person. Stykket er faktisk inspirert av den myke belysningen til Mona Lisa.
14. Tenk på komposisjonen din
For å forsterke den myke belysningen passet jeg på at jeg ikke hadde noen harde linjer i komposisjonen. Komposisjonen er laget av ovaler og regelen om tredjedeler. Bakgrunnen delt i to, lyset som gjorde at hodet hennes kunne springe ut, og det mørke for å la hopperen skille seg ut. Å kunne lese silhuetten skaper mindre distraksjon fra ansiktet og blikket, som er hovedfokuspunktet. Komposisjon og belysning er det som virkelig definerer et portrett - dette er gode verktøy å bruke for å skape en forbindelse med motivet.
Denne artikkelen ble opprinnelig publisert i utgave 236 av 3D-verden, verdens mest solgte magasin for CG-artister. Kjøp utgave 236 her eller abonner på 3D World her.
