Innhold
Tenk om du på slutten av 1900-tallet ble bedt om å fylle en tidskapsel med gjenstander for grafisk design som fremkalte ånden i de første hundre årene av den moderne tiden. Hva vil du inkludere? Du vil kaste inn et halvt dusin klassiske logoer, noen sveitsiske plakater og sannsynligvis noe fra Milton Glaser, Paul Rand eller Saul Bass.
Du vil også inkludere noen albumomslag: Grafisk design fra det 20. århundre uten albumomslag er som en fotballkamp uten ball - utenkelig. Du må inkludere Sgt Pepper, kanskje Never Mind the Bollocks, en Joy Division, Nirvana, Oasis eller Blur-ermet, noe fra amerikansk hip-hop. Poenget er at du vil bli bortskjemt med valg.
Grafisk design fra det 20. århundre uten albumomslag er som en fotballkamp uten ball - utenkelig
Tenk deg at du gjør den samme oppgaven de første 13 årene av det 21. århundre. Hva vil du plassere i den skinnende titanbeholderen? Du vil inkludere et dataspill, brukergrensesnittet fra en iPhone, Google-logoen, kanskje en Facebook- eller MySpace-side. Men vil du ta med noen albumomslag? Jeg lurer.
Det er ikke som om albumomslag ikke lenger eksisterer. Mer musikk blir laget, gitt ut og konsumert enn noen gang før. Plateselskaper er fortsatt i virksomhet. Lady Gaga og Beyoncé er globale superstjerner og like populære som tidligere popgiganter. Til tross for nedlastinger og ankomsten av streamingtjenester, kjøper folk fremdeles CD-er, vinyl-LP-er og boksesett fylt med LP-er, CDer, DVDer og hefter. Og her på Creative Bloq feirer vi den beste albumkunst hver uke.
Men det har skjedd noe med albumomslaget. Det er ikke lenger midtpunktet i en ny albumutgivelse. Det er nå bare en del av en boblende lapskaus med ingredienser som kan inneholde et nettsted, en app, en YouTube-kanal, en TV-annonse - til og med varer. Det ser ut til at vi har nådd scenen der T-skjorten eller baseballcappen er like viktig som albumomslaget. Det kan til og med være sant å si at det er mer penger i T-skjorter og caps enn i platesalg.
Likevel, for mange musikkfans, har albumdekslet fortsatt betydning. Og selvfølgelig, for grafiske designere og de som er involvert i musikkdesign, blir albumomslaget fortsatt ansett som en viktig lekeplass for eksperimentering og ytringsfrihet.
Men hvis vi aksepterer at en stor del - om ikke den eneste delen - av å være grafisk designer er å produsere noe ’grafisk’, hva er da poenget med å være musikkdesigner når hoveduttakene er frimerkede JPEG-er på nettet? Likevel ønsker grafiske designere fortsatt å designe for musikk. Hva er grunnen til dette?
Plateselskapsvisningen
Utstyrt med en iPhone fylt med MP3-filer og en kopi av Wired under armen (en gang hadde det vært NME, men hvis du vil vite hva som skjer i musikkbransjen i dag, les Wired), satte jeg meg for å finne ut hva det vil si å være musikkdesigner i en tid med øyeblikkelige nedlastinger. Mitt første stopp var musikkbransjen.
Jeg begynte søket ved å snakke med Dan Sanders på Virgin EMI Records. Sanders er etikettens creative director. Hun designer og kunst leder store prosjekter og bestiller kampanjer for etikettens mange handlinger. Artister signert til Virgin inkluderer Bastille, Emeli Sandé, Lorde, Arcade Fire og Massive Attack. En gang en feisty uavhengig etikett dannet ut fra hippietoset til den unge Richard Branson, er etiketten nå en del av Universal, et av verdens største underholdningskonglomerater.
Jeg spurte Sanders hvilke utfordringer en intern kunstdirektør sto i den digitale tidsalderen. "Ettersom digitalt forbruk vokser eksponentielt," bemerker hun, "er det mer og mer viktig å bygge en sterk, sammenhengende visuell identitet for en kunstner, og det er viktig at budskapet forblir det samme - kanskje til og med litt repeterende - på mange plattformer."
Som alle musikkdesignere har Sanders to klienter - merkelappene som betaler lønnen hennes, og artistene hvis musikk hun promoterer. Målene til disse to partiene er ikke alltid kompatible. På den ene siden, på bakgrunn av lavprisstrøm og ulovlig nedlasting, blir plateselskap stadig mer hektiske i deres søken etter mer salg. Samtidig pleier musikere å ha omslagsbilder og kampanjebilder som gjenspeiler musikken deres, i stedet for å overholde kommersielle normer.
Etter hvert som digitalt forbruk vokser eksponentielt, er det mer og mer viktig å bygge en sterk, sammenhengende visuell identitet for en kunstner
Hvordan takler Sanders disse, noen ganger konkurrerende, kravene? "Jeg tror kunstnere betrakter den visuelle produksjonen som et herlig rent og flamboyant uttrykk for sin musikalske kunst; noe fansen deres kan glede seg over; noe som forbedrer og forsterker deres musikalske produksjon," sier hun.
"Tidligere tror jeg disse uttrykkene var mindre belastet av kommersielt ansvar. I dag, i et veldig overfylt marked og en mer resultatdrevet verden, har artister og etiketter blitt mer samarbeidsvillige i å bruke den kreative retningen for å nå ut til et nytt publikum. Dette har vært spesielt synlig i eksplosjonen av digitalt, da det er den viktigste kilden til musikkforbruk i ungdoms publikum. "
Sanders rolle i Virgin innebærer et tett samarbeid med eksterne designere. Hva ser hun etter i reklamene hun jobber med? "Jeg ser etter ideer og applikasjoner som føles annerledes enn alt annet," sier hun. "Blinde multi-designer-baner føles så gale i disse dager, og de leverer ofte resirkulerte ideer. Når det er sagt, får du noen ganger en drapsmannhøyde når musikken virkelig har fanget en designers fantasi - og det er en utmerket ting når det skjer."
Emballasjefamilie
I den andre enden av bransjespekteret er Mute Records. Formet på slutten av 1970-tallet, er det i dag et fyrtårn for uavhengighet, radikalisme og musikalsk innovasjon. Mens andre etiketter etterligner kommersielle oppførsler fra gigantiske selskaper, beholder Mute en sunn dose post-punk anarkisme. Berømt som en pioner innen tekno- og elektronisk musikk, har Mute gitt ut plater av så forskjellige artister som Depeche Mode, Goldfrapp, Can og Diamanda Galás.
For Paul A. Taylor, som har ansvaret for etikettens omslagskunst og visuelle representasjon, er prioriteringene "å komme til slutten med noe som artisten føler representerer albumet, som Daniel Miller [Mutes grunnlegger] føler er interessant og utfordrende - og fungerer når det er på størrelse med et miniatyrbilde - og noe som markedsavdelingen kan bastardisere for å selge den. "
Hvordan takler Taylor de konkurrerende kravene til fysisk musikkemballasje versus digital? "I hovedsak handler digital om å minne folk om at det er der. Mye av tiden fokuserer kunstnere forståelig på den fysiske versjonen av albumet, og dette skjer mye med designere også. Så det er viktig å lage at alle husker hvert aspekt er like viktige som hverandre. Hver må behandles forskjellig, men det må være et nært forhold. Med andre ord, kyssing av fettere er greit, det trenger ikke alltid å være bror og søster. "
Jeg tror ikke det er noe som heter spesiell emballasje. Du pakker musikk riktig for den aktuelle mottakeren.
Mute har over mange år produsert et bredt utvalg av spesielle emballasjer og boksesett - ofte med høye produksjonsverdier. Jeg spurte Taylor hvordan etiketten så på spesiell emballasje: "Vel, jeg tror ikke det er noe som heter spesialemballasje," funderer han. "Jeg ser det som passende emballasje. Du pakker musikk riktig for den aktuelle mottakeren.
"Jeg tror fortsatt streaming prøver å finne den riktige emballasjen, men når den finner den, blir det utrolig interessant. Nedlastinger fant aldri noen passende emballasje, og det er derfor nedlasting til slutt mislykkes. Jeg ser nedlastinger forsvinne før CD-er og blir aldri en annen vind som kassetter ser ut til å bli uforklarlig å få - selv om kassetter er pene, antar jeg. Nedlastinger er rent funksjonelle, uten estetikk, så hvem vil ha en nedlasting når du kan ha en stream? "
Designerens syn
Hvis vi aksepterer viktigheten av plateomslagsdesign som en testseng og laboratorium for grafisk eksperimentering (tenk på grafisk design uten Neville Brody, Peter Saville, Stefan Sagmeister, som alle designet ermer i sin tidlige karriere), så er det klart at omslagskunst er for viktig til å la slippe i bruk som noen verft i en postindustriell britisk havn. Heldigvis er det fremdeles grafiske designere som er dedikert til å bruke omslag som en måte å smi nye visuelle språk og koder på, selv om det aldri har vært vanskeligere å tjene til livets opphold.
En av de ledende figurene på dette feltet er Gez Saint, grunnlegger og kreativ direktør for Big Active. I løpet av de siste 12 månedene har studioet hans designet omslagskunst for Goldfrapp, White Lies, London Grammar, Haim, The Family Rain og Felix Da Housecat.
Saint er en optimist: "Den håndfaste arten av den eide og verdsatte gjenstanden nyter igjen en bølge av fornyet interesse," bemerker han. "Samtidig endrer streaming og sosiale og mobile formater naturen til det som skjer på den digitale siden. For digitale innfødte som bruker nettet som et miljø for å skape og dele, handler veien videre muligens mer om å laste opp. enn å laste ned. "
Big Active-ermer er visuelt rike, ofte med skarpe hjerner
illustrasjon for å skape overbevisende visuelle motpunkter til musikken de omslutter. Men Saint ser på det immaterielle riket til digital musikk som et incitament til smartere tenking, snarere enn en kreativ blindvei: "Designere trenger å tilpasse seg, bli proaktive og omfavne positive nye tilnærminger, og endre tankemåter," oppfordrer han. .
Han advarer også mot nostalgi og et starry-eyed retro-syn på omslagskunst: "Det klipper rett og slett ikke å ønske de gode gamle dagene hvor grafiske designere fokuserte bare på emballasjen," argumenterer han. "Denne tankegangen er overbærende og uholdbar - verden har gått videre. Ny musikkdesign handler om å knytte partnerskap med artister og etiketter for å skape innhold og engasjement som kan passe hånd i hanske med måten musikk nytes og konsumeres av fans - i hvilken form som måtte ta. "
Etter Saint's mening har en ting i det minste ikke endret seg: "På sitt mest grunnleggende nivå i det digitale rommet," sier han, "handler det fortsatt om å skape det definerende bildet og uttrykke dette i form av et produkt" packshot ". Så når det gjelder de mest grunnleggende kravene, er vi oppmerksomme på at omfanget av digitale packshots har en tendens til å være omtrent samme størrelse som frimerker - noe som betyr at de virkelig trenger å være grafisk effektive, "fortsetter han.
"Også måten folk samhandler med kunstverk i et digitalt miljø på, er annerledes enn å skrive ut. Jeg tenker her spesielt på mobile enheter, nettbrett og så videre. Engasjementet er mye mer opplevelsesmessig og det er større mulighet til å lage og dele. "
En svanesang
Den anglo-norske duoen Non-Format - Jon Forss og Kjell Ekhorn - har produsert visuelt rik og dramatisk coverkunst for en rekke musikere siden 2000. Studioet er kjent for sitt høykonsept, kunststyrte fotografering og omhyggelige typografi.
- arbeid som krever avansert reproduksjon og et stort lerret å strekke seg på.
Hvordan, lurte jeg på, sørger paret for at designet deres overlever oversettelse til JPEG på iTunes, for eksempel? "Vel, det er absolutt sant at det er en enorm forskjell mellom et trykt emballasjestykke og et 220-piksler kvadrat på iTunes, og vi husker dette mer enn vi gjorde for noen år siden," sier de. "Hvis vi jobber med emballasje og vet at det kommer til å være bare digitalt, behandler vi det litt annerledes enn vi ville gjort hvis vi vet at det også kommer en CD og kanskje en vinyl-LP-versjon."
I likhet med Saint er ikke Forss og Ekhorn defaitistiske. Den økende interessen for vinyl og emballasje i spesialutgaver har ført til mange muligheter for dem. "I stedet for de vanlige CDene blir vi i økende grad bedt om å designe spesialutgave av vinylemballasje pluss en digital packshot," bemerker de. "Hvis dette er svanenesongen med musikkemballasje, er den faktisk ganske fin."
Non-Format kan ha blitt anerkjente mestere på albumomslaget, men de gjør ikke krav på å ha mestret den digitale presentasjonen av musikk. Det ser heller ikke ut til at noen andre kan. Virkeligheten for brukere av nedlasting eller streaming av kanaler er fremdeles det krympte hodet til JPEG: "Vi går inn i en periode der bransjen ser ut til å ikke være i stand til å bestemme seg for hva digital emballasje skal - eller kunne - være," Ikke- Formater notater.
“Det tar naturlig nok tid å finne ut hva et nytt format kan bringe til bordet, og så langt har vi egentlig ikke sett lyset med hensyn til hva digital emballasje kan gjøre for å forbedre lytteopplevelsen. En gang i nær fremtid kan ideen om at musikk må ledsages av fysisk innpakning, virke absurd. "
Dette er nær mitt eget syn. Som en livslang forbruker av musikk, og som en som fremdeles er en sporadisk designer av plateomslag (jeg har også skrevet fire bøker om emnet), lever jeg nå lykkelig i musikkens verden uten fysisk innpakning. Jeg bruker betalte streaming- og nedlastingstjenester, og synes livet er utenkelig uten dem. For meg ser jeg slutten på fysisk emballasje som en slags frigjøring. I økende grad ser min hyllevridende samling av vinyl, CDer og boksesett nå overflødig ut - bare nostalgi hindrer meg i å laste dem av.
Musikkens nye immateriale gjør at jeg kan få et enda mer intimt forhold til det. Ved å konsentrere meg bare om lyden er jeg fri til å glede meg over musikken på en måte som ikke er mulig med pakket musikk. Jeg liker også å være fri fra den rotete virksomheten med å returnere plater til emballasjen, og den konstante frykten for å skade spilleflatene.
Jeg er fortsatt bekymret for fremtiden for grafisk design. Uten musikkemballasje som en eksperimentell sone, hvor vil fremtidens Peter Savilles komme fra? Skjult av platehylser, minus lidenskapelige indie-etiketter og uten emballasjeglade musikere, hvordan vil grafisk design finne en sammenlignbar plattform for ren innovasjon? Grafisk design vil selvfølgelig overleve. Det gjør det alltid. Men vil det være ganske så rikt og variert?
Ord: Adrian Shaughnessy
Adrian Shaughnessy er grafisk designer, forfatter og pedagog. Han har skrevet og kunstrettet mange bøker om design. Han foreleser mye rundt om i verden, og er seniorlærer i grafisk design ved Royal College of Art, London.Denne artikkelen dukket opprinnelig opp i Computer Arts utgave 225.
