Innhold
- Hvorfor bruke farge i tegneseriekunst?
- Hvilken programvare skal jeg bruke?
- 01. Start med flate farger
- 02. Ikke bruk for mange lag
- 03. Bestem deg for din malestil
- 04. Vurder hvor mye detaljer du skal inkludere
- 05. Legg til litt personlighet
- 06. Bruk farge og form for å fortelle en historie
- 07. Bygg stemning med dine fargevalg
- 08. Bruk verdi til å lage fly og silhuetter
- 09. Sjekk siden din i gråtoner
- 10. Begrens fargepaletten
- 11. Utvid lerretet gjennom farge
- 12. Lag notater før du begynner
Å tegne tegneserier er den beste jobben i kunstverdenen, så vidt jeg er bekymret for, fordi den lener seg tungt mot den morsomme delen av kunsten: historiefortellingen. I denne artikkelen skal jeg ta deg gjennom de beste tipsene mine for å legge til farger i sort / hvitt-tegninger for å gi naturen og karakterdesignene dine liv.
Farge kan bidra til å utvide omfanget av en tegneserie, og gjøre hvert panel fra en todimensjonal tegning til et vindu til en rik, nyansert verden. Fargen i disse panelene kan flyte sammen for å sette tempoet, som en sang. Jeg begynner med å svare på noen viktige spørsmål før jeg deler noen tips for å få mest mulig ut av farger. Hvis du er ute etter tegningstips, kan du ta en titt på artikkelen vår om hvordan du lager en tegneserie.
Hvorfor bruke farge i tegneseriekunst?
Dette kan virke som et vanvittig spørsmål, men det er verdt å tenke på hvilke fordeler farger kan gi til en illustrasjon som svart-hvitt ikke kan. Farge kan formidle ting som humør, tid på dagen, sceneskifte, bildeplan og dybdeskarphet.
Farge kan være en flott visuell forkortelse for å hjelpe leserne til å forstå hva som skjer, uten å hamre dem over hodet med dialog eller å måtte tegne absolutt alt i en scene. Noe så enkelt som en gul bakgrunn og blå skygger kan fortelle deg at det er soloppgang.
Hvilken programvare skal jeg bruke?
Inntil nylig var Photoshop CC de facto-programvaren som ble brukt i tegneseriefarging, men Clip Studio Paint har endret det. Klippet er mye raskere med noen oppgaver som å legge i flate farger, hovedsakelig på grunn av dets avanserte toleranseinnstillinger for Paint Bucket som automatisk fanger opp og oppdager linjelapper når du fyller blekkformer. En enorm tidsbesparelse!
Når det er sagt, foretrekker jeg fortsatt børstene som er tilgjengelige i Photoshop for gjengivelse. Utover skrivebordet vil jeg noen ganger jobbe på iPad Pro-en min med Clip eller Procreate også. Er du ikke sikker på hvilken app som passer for deg? Ta en titt på guiden vår til den beste programvaren for digitale artister.
01. Start med flate farger
Legging i ‘leiligheter’ er et standard skritt for fargestoffer i den amerikanske tegneserieindustrien. Flatting er prosessen der flate, sammenhengende, aliaserte former legges inn på et separat lag fra strektegningen for å gjøre det mulig å velge områder når de gjengis.
Som de fleste fargestoffer legger jeg vanligvis ut dette trinnet til en profesjonell flatere for å spare tid. Når jeg har fått en mengde leiligheter tilbake, går jeg over dem alle med en Paint Bucket for å endre grunnfargene tilsvarende.
02. Ikke bruk for mange lag
Jeg har sett fargerikere bruke dusinvis av Photoshop-lag på en side. Jeg synes det er vanskelig å holde rede på så mange (les: Jeg synes det er sprøtt), så jeg begrenser meg vanligvis til tre eller fire. Dette vil vanligvis bestå av leilighetene mine, et duplikat av leilighetene som skal gjengis på, og et lag med linjene mine på. Rent og enkelt. Jeg kan ha et lag eller to for fargebånd (farget strekbilder) og / eller glød og lyseffekter, men det er generelt det.
03. Bestem deg for din malestil
Ved å bruke en alias Lasso eller Pencil-verktøyet kan jeg gjengi i en flat, ‘anime’ fargestil som er enkel å redigere med Paint Bucket. Å bruke en Airbrush eller pensler kan være mer kunstnerisk uttrykksfull, men gjør endringer mer tidkrevende. Å ha flatslaget som en sikkerhetskopi for valg av hver figur gjør det imidlertid enklere å redigere. Begge stilene har fordeler, og de kan kombineres. Jeg maler ofte bakgrunnene mine og bruker flate former for tegn. Eller jeg kan la skyggene ligge flatt og gjengi i høydepunktområdene.
04. Vurder hvor mye detaljer du skal inkludere
En hyperrealistisk, detaljert stil kan legge vekt på en historie via grus, tekstur, stubb og så videre, mens en enkel stil kan la leseren mentalt fylle noen blanke og øke hastigheten på leseopplevelsen, uten å måtte jobbe gjennom en overflod av detalj.
En enklere gjengivelse kan gi mer uttrykksfulle treff i farger. Jeg prøver ikke å selge detaljer kort her. Detaljene tilfører tyngdekraften og det teller mye. Det er fordeler og ulemper med å slippe detaljer, og jeg nynne og ha over gjengivelsesalternativer hver gang jeg starter en ny konsert.
05. Legg til litt personlighet
Mange fargestoffer, både veteraner og nybegynnere, bekymrer seg for at fargen deres skal falme i bakgrunnen for å la strektegningen skinne. Jeg abonnerer egentlig ikke på denne tankegangen. Samarbeidskunst skal være samarbeidende! Jeg håper arbeidet mitt er gjenkjennelig, uavhengig av gjengivelsesstilen jeg bruker, gjennom fargevalgene mine og hvilke former jeg bruker i gjengivelsen.
Samarbeidskunst er som å være i et band. Alle trenger å spille etter sine sterke sider og vise sin personlige stil. Ellers blir kunsten dere lager sammen kjedelig.
06. Bruk farge og form for å fortelle en historie
Farge kan være en fin måte å lede leserens øye via skyggelinjer, fargemønstre og lignende. Mens hovedpersonene og handlingen gjør sitt på siden, kan jeg subtilt forsterke øyelinjen og lede handlingen uten å klemme folk over hodet med den. Når det gjelder denne siden fra LOW, har jeg brukt en triade med røde former for raskt å trekke blikket mot heltene våre, til tross for kaoset i resten av bildet.
07. Bygg stemning med dine fargevalg
Jeg prøver å bruke farger for å støtte historien. Det er mange standarder som blå eller desaturerte toner som tyder på stille eller melankoli, mens oransje eller grønt kan antyde giftige kjemikalier i luften. En mettet rød advarsel om overhengende fare.
Fargeblokk som dette kan være en fin måte å hjelpe leseren til å forstå hva som skjer utenfor og mellom panelene, og hjelpe til med separate scener. Hvis jeg jobber med et lengre prosjekt, kan det å lage egendefinerte fargevarsler (og holde fast ved dem) være en fin måte å skille prosjektets verdensbygging fra også pakken.
08. Bruk verdi til å lage fly og silhuetter
Jeg pleier å bruke desaturerte, mørke verdier for ett plan og mettede lysverdier for et annet. Å pusse ting av disse flyene i et tredje verdiområde med så mye kontrast som mulig, bidrar til å fokusere øyet på emnet på panelet. Disse verdiene trenger ikke nødvendigvis å være forskjellige fargetoner.
Jeg opplever ofte at når folk tenker på farge, fokuserer de for mye på fargetone, og glemmer verdien. For meg er verdien det absolutte, viktigste elementet i en farge, så er det metning og fargetone.
09. Sjekk siden din i gråtoner
Photoshop gjør det enkelt å sjekke verdiene mine. Hvis jeg jobber med noe med kompliserte, overlappende fly, åpner jeg et nytt vindu for det og endrer korrekturoppsettet til Gray. Dette gjør at jeg kan jobbe med fargefilen mens jeg får tilbakemelding i sanntid for verdiene mine i den andre fanen. For mindre komplekse sider bruker jeg bare hurtigtast for å bla til Gråbeskyttet modus fra vanlig visning av og til for å holde meg i sjakk, og sørge for at lyse rødt blant andre farger ikke kaster ting av seg.
10. Begrens fargepaletten
Jeg prøver å holde meg til verdivalg, og begrense fargepaletten min til det som er nødvendig for å fortelle historien. Farge bør ha en grunn for å være der, og hvis noe ikke er viktig, hjelper det ofte historien å bruke verdier i en nøytral farge i stedet for fargetoner for å hjelpe den til å synke i bakgrunnen. Jo enklere du beholder fargen din, jo større innvirkning vil en endring i farge ha, noe som hjelper leseren til å forstå at noe viktig skjer.
11. Utvid lerretet gjennom farge
Du kan antyde en hel verden utenfor panelet med farger, som er en av mine favorittdeler av å være fargelegger. Jeg pleier å legge mye tanke på miljøet som en historie foregår i. Hvilke materialer er ting laget av? Hvor støvete er de? Hva er solens posisjon på himmelen? Hvor mange minutter, timer eller sekunder har det gått siden forrige panel? Er noen lys slått på utenom panelet? Jeg stiller meg spørsmål som dette hele dagen. Det handler ikke bare om å fargelegge det du kan se på siden.
12. Lag notater før du begynner
Jeg tar notater på et manus før jeg starter et nummer - markerer tid på dagen, sceneendringer og følelsesmessige slag. Gjør dette på forhånd hvis du ikke har mye kunstverk og du trenger å komme i gang uansett.
Når det er sagt, hvis det tillater det, kan det være nyttig å se på alle dine flate farger sammen for en bok, for å sikre at 'musikaliteten' til den fargen fungerer. Bygge temaer, bære dem over forskjellige scener, kanskje bruke popfarger for å understreke viktige historieelementer. Du tar leseren med på en fargerik reise, så gjør den morsom for dem!
Denne artikkelen ble opprinnelig publisert i ImagineFX, verdens mest solgte magasin for digitale artister. Kjøpe utgave 160 eller abonnere.
